La depresión de los 30 convertida en comedia

LA CRÓNICA

Alba Pifarré Gardeñes

Club Capitol (Barcelona). 31 de mayo de 2012

En las ramblas de la ciudad de Barcelona, en el número 138 para ser exactos, se encuentra el representativo Club Capitol, consolidado como uno de los teatros más importantes y conocidos de la ciudad condal. El Club Capitol pertenece al Grup Balaña, compañía que se ha instaurado como líder del sector teatral en Barcelona gracias a la capacidad de ofrecer al público catalán la programación más selecta y novedosa.

Entrada Club Capitol antes de empezar la obra. Fuente: Alba Pifarré Gardeñes

Estrenada en castellano bajo el título “Confesiones de mujeres de 30”, la obra ha arrasado en América con el texto del brasileño Domingos Oliveira y la dirección de Edu Pericas. Se presentó por primera vez en 2001 en la ciudad de Argentina, teniendo tal éxito que ha llegado a estar un año en cartel. En Colombia, México y Brasil también ha llenado las salas de muchos teatros. Mientras, la producción española protagonizada por las actrices Anabel Alonso, Cati Solivellas y María Puyalte ha estado dos años de gira por España después de una larga temporada de éxito en Madrid durante el 2003.

Con estos referentes, “Confessions de dones de 30” aterriza en Barcelona de la mano de las actrices catalanas Meritxell Huertas, Yolanda Ramos y Mónica Pérez. Éstas, se han convertido en las protagonistas de una comedia que pone en evidencia la crisis de los 30 años en las mujeres. Huertas, Ramos y Pérez, gracias a su talento y desparpajo no han necesitado encarnarse en ningún tipo de papel para interpretar la obra. Son ellas mismas las que ponen en escena la infinidad de problemas que creen que conlleva tener 30 años de edad.

La expectación antes de empezar la obra ha sido máxima. La cola para poder ver la obra a las 20:30 horas se ha expandido a lo largo de la rambla hasta alcanzar el otro lado de acera. Se ha podido observar cómo la gente que llegaba de fuera de Barcelona realizaba fotografías al emblemático Club Capitol y a la Sala Pepe Rubianes. La mayoría de esta gente ya había visto la obra en Madrid, pero querían repetir experiencia para poder ver cómo era interpretada la obra en catalán por tres actrices catalanas de renombre. La masa de gente que ha destacado ha sido el público catalán, quien se ha mostrado deseoso por ver la obra en su idioma. Muchos de ellos, como gran parte de la gente que venía de fuera de Barcelona, ya la habían visto, pero como ha afirmado una ciudadana: “No podemos dejar escapar la ocasión de ver la obra en catalán y, sobretodo, tener el placer de disfrutar de la puesta en escena de las tres actrices de la talla como son Meritxell, Yolanda y Mónica”.

Las tres protagonistas en escena. Fuente: Alba Pifarré Gardeñes

Entre los espectadores han destacado grupos de mujeres y chicas jóvenes. Han sido pocos los hombres que han decidido acompañar a su pareja a ver la obra. Así lo afirmaba un joven que se ha visto envuelto por un grupo femenino: “Mis amigos han preferido quedarse viendo el futbol antes que venir con sus chicas a ver la estrena”. “Confessions de dones de 30” ha despertado tanto interés que, ni el futbol le ha podido hacer sombra en esta noche de estreno. La obra ha empezado con diez minutos de retraso, hecho que ha provocado el murmullo y la excitación entre la gente. La Sala 2 del teatro Capitol ha estado llena, no se ha apreciado ni una sola silla vacía. Finalmente, las tres actrices han aparecido en escena, hecho que ha provocado un inminente silencio. La obra se ha iniciado con una conversación entre las tres protagonistas, a continuación, ha salido cada una de ellas individualmente realizando un monólogo en el que ha habido interacción con el público. Hecho que ha creado un gran interés y euforia entre la grada. La obra ha finalizado con la puesta en escena de las tres actrices. Una hora y media constante de carcajadas han sido las protagonistas de la sala 2 del teatro. “¡Me ha pasado volando, no puedo creer que ya haya terminado!”. Decía emocionada una mujer.

Al terminar la obra los aplausos no han cesado. Las actrices, con un semblante muy satisfecho les han devuelto los agradecimientos en forma de saludos, reverencias y más aplausos.

Para más información:

Entrevista a las tres protagonistas de la obra: http://www.rtve.es/alacarta/audios/directe-40/directe-40-actualitat-xarxa-entrevista-monica-perez-yolanda-ramos-meritxell-huertas-confessions-dones-30-concurs-barca/1429882/

Biografia de Yolanda Ramos: http://es.wikipedia.org/wiki/Yolanda_Ramos

Meritxell Huertas en el Club de la Comedia: http://www.youtube.com/watch?v=osL-J9ot5LY

Mónica Pérez en el programa In Situ de TV3: http://www.youtube.com/watch?v=eVtyL3xMd2g

Múltiples formas de esculpir un actor: Valoraciones de los métodos interpretativos teatrales

Celia Aldea, Ares Fernández, Queralt Morros, Alba Pifarré, Jennifer Ruiz

A partir de las entidades educativas privadas del marco barcelonés, pequeños centros donde la docencia fluye desde múltiples métodos interpretativos, se realiza un recorrido en perspectiva de las diversas escuelas de teatro y sus métodos pedagógicos.

De las once escuelas que forman la Asociación Catalana de Escuelas de Teatro (ACET), junto con las escuelas más independientes, se pueden diferenciar los métodos Stanislavski, Lecoq, Ecléctico y otros más alternativos. Dentro de estos cuatro grandes bloques se disciernen matices característicos que dan a cada escuela un sello identificativo de acuerdo con su técnica pedagógica. ¿Cuál es el método más apropiado? ¿Es necesaria una formación académica? 

MÉTODO LECOQ, UN TRABAJO TEATRAL A PARTIR DE LOS MOVIMIENTOS CORPORALES

La metodología Lecoq fue creada por Jacques Lecoq en el siglo XX. Un actor y mimo francés referente del teatro físico y de la pantomima. Una parte importante de su trabajo de investigación actoral la dedicó al estudio de la máscara, dando así más importancia a la gestualidad corporal sobre la facial o la expresión verbal. Su estilo de actuación llevó a lograr una mayor interacción con el público, un uso más complejo del espacio escénico, y una prioridad de la cualidad física frente al carácter emocional del personaje.

A partir de la metodología de Jacques Lecoq han nacido varias escuelas alrededor del mundo. En Barcelona nos encontramos con la Escola de Teatre Berty Tovías, basada en el método de Jaques Lecoq. Berty Tovías, director de la escuela des de 1997, ha intentado desarrollar un teatro pedagógico para todos los estilos, no sólo para un determinado género teatral. Un modo de formación que defiende y apoya de forma contundente, como por ejemplo en este vídeo.

Obras de teatro realizadas a partir del método Lecoq en la Escola de Teatre Berty Tovías. Fuente: BcnTeatral

A partir del método Lecoq, Tovías busca reencontrar las raíces de donde parten los estilos teatrales y sacarlos a la luz, hacerlos revivir. Un trabajo a partir de las cosas simples que mueven la vida, las pasiones, todo lo que sucede en el mundo. Un descubrimiento de las cosas más sencillas, que según afirma Tovías, “son las que deben permanecer cuando se hace el espectáculo”.

Por otro lado, no todas las escuelas de la ACET están de acuerdo en impartir su formación teatral únicamente con el método Lecoq. Pero gran parte de las entidades que forman la asociación incluyen el método francés para la docencia de sus alumnos. Escuelas musicales como el Timbal o Memory, otras eclécticas como el Col·legi de Teatre y La Casona, e incluso las escuelas que ejercen su propio método, como es el caso de El Timbal, tienen en sus bases académicas aspectos de Lecoq. Aunque en sus cursos académicos incluyan clases dedicadas a la enseñanza a partir de Lecoq, no consideran que sea bueno para un actor crecer teatralmente mediante un solo método ya que puede estancar al actor.

EL MÉTODO ECLÉCTICO, UNA RECOPILACIÓN DE LO MEJOR DE CADA METODOLOGÍA

El método ecléctico nace a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX en Francia. En un principio, este sistema se creó para ser utilizado exclusivamente por los docentes de colegios de educación primaria y secundaria, pero al poco tiempo, dio el salto a otras vertientes pedagógicas y se convirtió en uno de los sistemas más utilizados hasta la fecha por la enseñanza teatral.

Las escuelas eclécticas de teatro forman su método de enseñanza a partir de las metodologías como Lecoq, Stanislavski y Lecrou. Del método Lecoq, destaca la importancia de expresarse a través del cuerpo. Del sistema Stanislavski se busca que el actor logre la perfecta interpretación del personaje, tal y como se puede ver en este vídeo. Por último del método Lecrou, las escuelas añaden las técnicas de mimo. El método ecléctico agrega las características de estas metodologías e incorpora también, técnicas específicas de interpretación, danza y canto.

Escena realizada en la escuela La Casona, donde se forma al actor mediante el método ecléctico. Fuente: lacasona.es

Por lo tanto,no existe un método ecléctico único sino que cada escuela decide qué metodologías y técnicas utilizar. En Barcelona, en el año 1983, nace el Col·legi del Teatre, una escuela ecléctica situada dentro del recinto del Pueblo Español de Barcelona. Gisela Krenn, directora del centro y presidenta de la ACET, explica las características de la metodología que siguen en la escuela. Según la directora, el método ecléctico que utilizan alterna diferentes metodologías y técnicas en función de los objetivos pedagógicos marcados.

Gisela Krenn explica que a lo largo de los tres años de formación, los actores aprenden a expresarse a través del cuerpo mediante técnicas de improvisación y el método Lecoq. Conocen una gran variedad de métodos para trabajar la conexión con los sentimientos, el trabajo de texto y la composición de escena. Por último, los alumnos ponen en práctica lo aprendido gracias a talleres especializados dirigidos por directores de obra reconocidos. Para la directora del centro, lo más importante es conseguir que sus alumnos tengan una visión amplia de los diferentes métodos vigentes. De esta forma, el día de mañana, podrán adaptarse a cualquier tipo de trabajo independientemente de la metodología con la que se les pida trabajar.

Pero no todas las escuelas comparten esta visión del método ecléctico.Berty Tobías, director de la Escola de Teatre, la única que enseña a sus actores exclusivamente con el método Lecoq, piensa que la formación basada en varios métodos y técnicas no es lo más idóneo para la formación del actor. Para Berty Tobías, el método Lecoq es un fin en sí mismo, porque consigue que el actor exprese cualquier tipo de emoción a través del cuerpo.

Lo cierto es que el método ecléctico es una metodología en constante evolución. Su facilidad para escoger lo mejor de cada disciplina ha hecho que sea un método que no solo se puede aplicar al teatro de texto, sino a otras vertientes, como el teatro musical.

EL TEATRO MUSICAL, UN MUNDO APARTE DENTRO DE LA METODOLOGIA ECLÉCTICA

Son sólo dos las escuelas que hay en Barcelona especializadas en la enseñanza del teatro musical y, que a su vez, son miembro de la Asociación Catalana de Escuelas de Teatro (ACET).

Una docencia que combina las nociones básicas del teatro ecléctico junto a las características principales del aspecto musical. Las tres principales ramas de estudio son la interpretación, la danza y el canto. Estas tres variables conviven en el centro de instrucción con el clásico teatro de texto.

Durante el siglo XX, Inglaterra, Estados Unidos e incluso Canadá, se convirtieron en lugares míticos dentro del ámbito musical.

En España no fue hasta finales del siglo XXI cuando se empezó a desarrollar el teatro musical. En 1994 aparece Memory como la primera escuela de teatro musical en todo el territorio español bajo la dirección de la actriz Ángels Gonyalons. Nace a partir del modelo creado en el centro lectivo Performing Arts la Guardia, de la ciudad de Nueva York. Tres años más tarde, se consolida la segunda de las escuelas bajo el nombre de Youkali, de la mano de Josep Maria Borrás.

Si se busca la característica esencial de esta tipología de teatro, sin duda alguna, se puede observar que es un arte donde aparece y confluye todo a la vez: la interpretación, el baile como movimiento del cuerpo y el canto.

Escena de la obra de teatro Peter Pan interpretada en la escuela musical Memory. Fuente: escolamemory.cat

Josep Maria Borrás defiende la necesidad de trabajar la voz, uno de los principales instrumentos del teatro especializado en musicales, de forma separada e individualizada. “El canto hay que trabajarlo individualmente. Es un instrumento propio de cada persona y se debe desarrollar por separado”, argumenta. Por ese motivo, su plan de estudios fue desde un principio pionero a la hora de desarrollar este tipo de clases particularizadas.

El director de Youkali afirma que dado el buen resultado obtenido, otras escuelas han cambiado sus planes de estudio y han optado por la individualización a la hora de realizar las clases relacionadas con el canto. La escuela Memory es uno de esos centros. Recientemente su programa ha sido modificado y los alumnos ya no estudian el canto a nivel genérico. El programa educativo cuenta con una metodología muy ecléctica donde intervienen todo tipo de clases, desde el canto coral hasta las acrobacias o el jazz pasando por la utilización de algunos métodos más clásicos como el Stanislavski. Borrás asegura que “las asignaturas surgen a partir de las necesidades y de las carencias que vemos en los propios actores”.

A diferencia de las otras escuelas donde sí que profundizan más en las metodologías concretas como Lecoq o Stanislavski, los alumnos de las escuelas de teatro musical aprenden lo más importante de cada una de las metodologías para conseguir defenderse ante cualquier situación en un casting.

En definitiva, tal y como se puede observar, el teatro musical ofrece un plan de estudios en constante remodelación que pretende ajustarse a las necesidades del actor.

TÉCNICA CODA, UNA NUEVA HERRAMIENTA PARA EL ACTOR

“Comprensión, Organicidad, Dramaturgia del actor y Autonomía” son la características que confeccionan el acrónimo CODA. De la mano de los profesores Fausto Carrillo y Ricard Boluda surge una innovadora metodología conocida como la técnica CODA, que podemos observar con mayor claridad en este vídeo de una alumna formada con este método.

Basada en las diferentes corrientes pedagógicas teatrales se diferencia del resto de metodologías por ser un método propio, creado a partir de la experiencia y teniendo como principal objetivo la autonomía y la credibilidad del actor. Mediante un trabajo personalizado desde el inicio del aprendizaje, el actor cuenta con unas herramientas que le proporcionarán un autoconocimiento y una experimentación del propio proceso creativo.

El Timbal es la sede donde se realiza el presente método. Situada en el pleno centro de la ciudad de Barcelona, lleva más de 40 años formando a actores profesionales, convirtiéndose así en la primera escuela de teatro de la ciudad condal.

Mireia Font, la directora de la escuela defiende que “en este arte, todos somos diferentes y por lo tanto, el actor debe sacar el máximo partido a su propia persona”. Por ello, para Font, esta técnica es la más útil, ya que mediante las herramientas el actor o la actriz consigue ser autónomo e independiente sin tener una voz externa que indique qué hacer y cómo hacerlo tal y como ocurre en los demás métodos.

Actores formados mediante el método Coda en la escuela El Timbal. Fuente: escolateatre.com

La directora comenta la exigencia del nivel y afirma que cuentan con uno de los planes de estudios con más horas de aprendizaje: “Nuestras clases son muy intensas y se necesitan unas pruebas previas para poder entrar”.

Dejando de lado la formación profesional, El Timbal ofrece todo un amplio servicio de actividades extraescolares destinadas tanto a niños, jóvenes como adultos. Pasando por el canto, la interpretación, el baile o el clown, los talleres que ofrece la escuela ayudan a difundir  las artes escénicas entre aquellos que aún no consideran la formación teatral como su propio futuro profesional. Este hecho provoca que profesionales de otras escuelas de enseñanza teatral cuestionen en cierta manera la profesionalidad y calidad de la formación y enseñanza que proporciona la escuela El Timbal.

Ante esta opinión, Mireia Font, sentencia afirmando que “No hay ningún tipo de conflicto entre las diferentes metodologías. El hecho más importante es que el actor tenga la capacidad de salir adelante”.

EL MODELO INDEPENDIENTE, UN MUNDO POR DESCUBRIR

Además de los métodos mencionados hasta el momento, en los años 30 del siglo XX, en la ciudad de  Buenos Aires, Argentina, nace, de la mano del teatro independiente, un modelo alternativo al resto.

Este modelo recibe el nombre de independiente porque se caracteriza por una forma peculiar y distinta de trabajar respecto a los otros métodos como pueden ser el ecléctico o el lecoq. Uno de los hechos más destacados de este arte es la rebelión contra el teatro comercial, donde destacan escenarios con una gran decoración a los que no les falta ni el más mínimo detalle.

Con la colaboración del actor argentino, que a la vez, también es profesor en este ámbito- Luciano Ruiz- se puede conocer en detalle los métodos usados por el modelo independiente.

El Taller de Luciano Ruiz está formado por tres cursos, según el nivel de los alumnos. En primero, el profesor enseña los fundamentos básicos del teatro, así como la realización de diálogos simples y sobretodo, pretende que los alumnos entiendan qué es el teatro. En el segundo curso hace diálogos más complejos y pide a sus alumnos que interpreten más de un papel en una misma obra. Finalmente, en tercero, dedica el curso al humor negro mediante diferentes obras de teatro.

Este modelo pretende que los alumnos, a través de su cuerpo e imaginación, saquen lo mejor de ellos mismos. Se trabaja, básicamente, con el cuerpo, dejando de lado el atrezzo.  El objetivo del modelo independiente, como explica Luciano Ruiz, es claro: “lo que me interesa es que el actor, con su propio cuerpo y expresión, sea capaz de transmitir su papel al espectador. De este modo, se trabaja con la imaginación del espectador, dejando que éste se centre en la interpretación de la historia que haga el actor”.

Además de estas actividades, los alumnos que se encuentran en el último curso del Taller de Luciano Ruiz tienen la posibilidad de pasar a formar parte de la escuela de teatro profesional en la que se encuentra el argentino, Comediarte.  De este modo, los estudiantes pasan a recibir una formación a nivel profesional que les pueda llevar a lo más alto.

En este vídeo se muestra un fragmento de una obra independiente en la que los actores explican cómo llega a influir la imaginación y qué se pretende conseguir con la obra.

Ensayo de una obra de teatro dirigida por Luciano Ruiz a partir de su método alternativo. Fuente: Bcnteatral

EL ACTOR SE HACE PICANDO PIEDRA

Valoradas escuelas y métodos, la cuestión es simple: “¿cuál es el mejor método interpretativo para formarse como actor?”. Para responder a ésta pregunta se requiere la experiencia que tras muchos años de duro trabajo ha conseguido Sergi Belbel, dramaturgo y director del Teatre Nacional de Catalunya. Parece, sin embargo, que la respuesta es algo compleja: “No os quiero sorprender pero yo soy un poco anti método. El actor tiene que ser capaz de lograr sus objetivos, el método en el que se ha formado es indiferente”, afirma Belbel.

El director explica que algunos alumnos pueden llegar a perderse queriendo profundizar en una manera de trabajar determinada, “la riqueza es el mayor secreto, trabajar varios campos y coger lo mejor en cada caso”. El director del TNC parece firme al huir de métodos que enaltezcan a “gurús del teatro” y admite que “existen diferencias entre alumnos de diferentes metodologías que se hacen patentes encima del escenario, pero esta riqueza es necesaria y se busca la creatividad de cada actor”.

En relación al mundo educativo teatral, confiesa que existe “un divorcio inadmisible” entre las escuelas de teatro y la profesión. Muchos de los docentes no trabajan y únicamente se dedican a la enseñanza, hecho que, nos confiesa, es una lástima, puesto que no hay un vínculo con el mundo real. Incluso, comenta entre risas, que algunos de los alumnos más talentosos no aprobaron sus estudios. Y es este talento el que precisamente valora como la característica imprescindible de un actor, combinada con la observación, el compañerismo y la capacidad de jugar trabajando.

Finalmente, Sergi Belbel transmite la metáfora que sin duda plasma a la perfección la verdadera “X” de la incógnita de la formación teatral. Más allá de los métodos, “podemos entender al actor como un escultor que se hace a sí mismo”. Un conglomerado de experiencia, autonomía y vocación.

Panel de anuncios Escola de Teatre Berty Tovías. Fuente: Bcnteatral

Escalera de acceso a las aulas de la Escola de Teatre Berty Tovías. Fuente: Bcnteatral

Mural fotográfico en la escuela del método Lecoq, Escola de Teatre Berty Tovías. Fuente: Bcnteatral

Entrada escuela de Berty Tovías. Fuente: Bcnteatral

Obras de teatro realizadas a partir del método Lecoq en la Escola de Teatre Berty Tovías. Fuente: BcnTeatral

Teatro Nacional de Catalunya. Barcelona. Director Sergi Belbel. Fuente: BcnTeatral

Escena de la obra de teatro Peter Pan interpretada en la escuela musical Memory. Fuente: escolamemory.cat

Actores formados mediante el método Coda en la escuela El Timbal. Fuente: escolateatre.com

Folletos informativos de la escuela Berty Tovías. Fuente: Bcnteatral

Alumnos ensayando una obra en la Escola de Teatre de Berty Tovías mediante el método Lecoq. Fuente: Bcnteatral

Berty Tovías, director de la Escola de Teatre Berty Tovías. Fuente: Bcnteatral

Cartel escuela El Timbal. Fuente: Bcnteatral

Panel con fotografía que rememoran las diferentes actuaciones de los alumnos de la escuela El Timbal. Fuente: Bcnteatral

Panel informativo sobre los cursos teatrales que realiza la escuela El Timbal. Fuente: Bcnteatral

Lugar en el que se realizó la entrevista a la directora del Timbal, Mireia Font. Fuente: BcnTeatral

Máscara utilizada en el método Coda en la escuela El Timbal. Fuente: Bcnteatral

Directora del Timbal, Mireia Font. Fuente: Bcnteatral

Entrada principal escuela El Timbal. Fuente: Bcnteatral

Aula de ensayo escuela musical ecléctica Memory. Fuente: Bcnteatral

Col·legi del Teatre dirigida por Gisela Krenn. Fuente: BcnTeatral

Entrada a una de las aulas de la escuela eclética Col·legi de Teatre. Fuente: Bcnteatral

Entrada principal Col·legi de Teatre. Fuente: Bcnteatral

Integrantes del grupo BcnTeatral con Sergi Belbel. Fuente: Bcnteatral

Director del Teatre Nacional de Catalunya, Sergi Belbel. Fuente: Bcnteatral

Escena obra realizada en la escuela La Casona mediante el método ecléctico. Fuente: lacasona.es

Berty Tovías, director de la Escola de teatre Berty Tovías, con el creador del método Lecoq. Fuente: Bcnteatral

Director de la escuela ecléctica musical Youcali, Josep Maria Borras. Fuente: Bcnteatral

¿Quieres más información?

Si quieres más información del Director del Teatro Nacional de Cataluña, Sergi Belbel, lee la siguiente entrevista: http://www.elmundo.es/metropoli/2008/03/05/teatro/1204730288.html

¿Te has quedado con ganas de más? En el siguiente enlace podrás ver más reportajes sobre teatro:  http://www.teatral.net/asp/multimedia/index.asp

Si quieres tener más información de las escuelas que forman parte de la ACET visita este enlace: http://www.escolesteatre.org/escoles_afiliades.html

¿Quieres ver una actuación de teatro musical? En el siguiente enlace podrás ver una actuación de los estudiantes de la escuela de teatro musical Youkali: http://vimeo.com/28053829

Para ampliar la información sobre las escuelas de teatro públicas y privadas, el reconocimiento profesional por el que luchan en la actualidad, y los métodos que utilizan visita el siguiente enlace: http://www.elcultural.es/version_papel/TEATRO/2944/Las_escuelas_se_quitan_la_mascara

Si el teatro alternativo te ha llamado la atención, visita el siguiente enlace para  ver una demostración: http://www.youtube.com/watch?v=eDkw2DwwsVg

El teatro ecléctico se forma a partir de la enseñanza de distintas metodologías. Si quieres ver el resultado visita el siguiente enlace:  http://www.youtube.com/watch?v=GdSFHsMazMs

Stanislavski es un método que suscita mucha controversia por el modo de formar al actor. Si quieres ver una demostración visita el siguiente vídeo:  http://www.redteatral.net/noticias-el-m-todo-stanislavski-118

Edu Soto: «Para ser un buen actor no es necesario disponer de un título profesional»

LA ENTREVISTA

Celia Aldea, Queralt Morros, Jennifer Ruiz

Eduard Soto Moreno es un actor español nacido en Mataró hace 33 años. Ha trabajado en televisión, cine, radio y teatro. Recientemente, ha finalizado su actuación en la obra teatral “El Sopar dels Idiotes”.

A través de esta entrevista, Eduard Soto habla de su experiencia profesional y sus planes de futuro. Además, valora el panorama actual de las artes escénicas, opina sobre la lucha por conseguir la titulación profesional de las escuelas privadas y se atreve a definir y calificar a algunos compañeros de profesión como Andreu Buenafuente, José Corbacho o David Fernández.

Eduard Soto, protagonista en El Sopar dels Idiotes. Fuente: BcnTeatral

 – ¿Cómo llegó al mundo del teatro?

– Empecé haciendo teatro amateur en el instituto de Mataró como una actividad extraescolar. Decidí hacerlo por probar alguna cosa, para distraerme, sin pararme a pensar que algún día me querría dedicar a esto. Fue a medida que avanzaba el curso cuando vi que este mundo me gustaba más de lo que pensaba.

«En el Institut del Teatre te enseñan mucha cultura y teoría sobre el mundo del teatro, pero poca práctica»

-De este modo, ¿cómo empezó a dedicarse al teatro a nivel profesional?

-Después de protagonizar dos obras de forma amateur en Mataró decidí irme a estudiar a Barcelona. Una vez allí, hice las pruebas de acceso del Institut del Teatre. Por suerte, no me cogieron. Digo por suerte porque son cinco años de estudios que considero absurdos. Los considero inútiles porque te enseñan mucha cultura y teoría sobre el mundo del teatro, pero poca práctica. A mí lo que me interesa es culturizarme a base de trabajo. De este modo, decidí entrar en la escuela privada Estudis de Teatre, en la que estuve estudiando dos años.

– ¿No considera necesaria una buena base y una correcta formación para llegar a ser un buen actor?

– Creo, que como en todo, es una mezcla de las dos cosas. Es fundamental tener unas nociones básicas que se tienen que trabajar pero considero que tampoco es necesario pasarse cinco o seis años estudiando. No hace falta, como hacen muchos actores, ir de curso en curso, pensando que cuántos más cursos tengan mejor les irá. Uno aprende a base de trabajo.

«Considero que no es necesario pasarse cinco o seis años estudiando teatro para llegar a ser un  buen actor. Uno aprende a base de trabajo y más trabajo»

–  ¿Cree que tener un título profesional hace más fácil el acceso al mundo teatral?

– Para nada. Yo no estoy en ninguna asociación de teatro porque pienso que son cosas burocráticas que no funcionan. Si funcionaran como estamento y te apuntaras y vieras que realmente funcionan porque sirven para protegernos sí. Pero es que te apuntas para nada porque no funcionan. El título no te va a servir para nada. Yo no lo quiero. Si me dijeran que lo tengo que ir a recoger ni iría. Ahí se queda.

Eduard Soto explicándonos sus vivencias en el teatro junto a dos componentes de BcnTeatral. Fuente: BcnTeatral

– ¿Cómo fue su experiencia con la productora teatral El Terrat?

– Con El Terrat empecé a trabajar en el mundo de la televisión y viví mis primeros años profesionales fuertes. Aprendí muchísimo a nivel laboral, ya que compartía mi trabajo con actores de un gran nivel profesional. El mejor curso es trabajar con gente potente, es decir, cuánto más sabe la persona que tienes a tu lado más aprendes. A partir de aquí, la considero una productora más, con sus puntos fuertes y con sus desventajas.

«El Terrat marcó un antes y un después de puertas para fuera, pero no de puertas para dentro»

– ¿Cree que su experiencia en El Terrat marcó un antes y un después en su vida profesional?

– De puertas para fuera creo que sí, pero de puertas para dentro no. Para mí, todas las experiencias, por pequeñas que sean, me marcan un antes y un después, ya que vivo las cosas con mucha intensidad. He vivido situaciones que, aparentemente, de cara al público tienen mucha menos relevancia, pero, en cambio, para mí han sido muy importantes.

– Cuando estuvo en El Terrat su personaje “el Neng de Castefa” fue un gran éxito televisivo, pero, ¿qué supuso para usted?

– Es verdad que el Neng causó un gran revuelo entre la audiencia, pero para mí fue un papel más, sin darle más importancia que a otros. En mi carrera me marca todo lo que hago.

– ¿Qué le ha marcado más, la televisión, el cine o el teatro?

– Esta pregunta es como tener a tres hijos y que te hagan escoger cuál te gusta más. Cuando estás enamorado del cine sólo quieres hacer cine, si te enamoras del teatro sólo quieres hacer teatro y lo mismo sucede con la televisión. Pienso que este hecho va en función del estado de ánimo de la persona y del momento laboral en el que uno se encuentra. Cuando llevas cinco años, por ejemplo, haciendo cine, lo que más te gusta es la televisión, porque el cine ya te ha cansado. Y así, con el resto de géneros.

– ¿Y en qué momento se encuentra usted?

-Puede que dentro de unos años cambie mi percepción, pero ahora mismo, lo que más me acerca a la verdad artística, lo que más me llena, es el teatro. Dicen que el teatro es el arte más puro que hay y el menos manipulado por el hombre.

«Dicen que el teatro es el arte más puro que hay  y yo añadiría que también es el menos manipulado por el hombre»

– ¿Dentro de su carrera teatral, con qué personaje se ha sentido más cómodo?

-Soy una persona que me encuentro a gusto con el personaje que está por venir, no con uno que ya haya hecho. No me imagino volviendo a trabajar algo ya hecho, me agobia pensar que tendría que repetir un personaje.

– ¿Aunque no repetiría ningún personaje, hay algún género con el que se siente más cómodo que con otro?

– Me gusta la tragicomedia. Si detrás de una comedia hay un poco de tragedia, el personaje coge más peso. Me gusta encontrarme con papeles en los que detrás de un chiste haya una frase que haga pensar al espectador, lo emocione o lo llene.

– Hasta hace dos semanas estaba representando la obra El Sopar dels Idiotes, donde precisamente, realizaba un papel tragicómico, ¿qué sensaciones se lleva de esta experiencia?

-Me ha encantado trabajar este papel, me ha llenado mucho. Además, me ha vuelto a alucinar el hecho de coincidir trabajando con David Fernández, un actor al que me llevaría a mi mesita de noche para verlo cuando me despertase cada día. Al que considero un genio y un gran profesional. Al igual que el resto de la compañía. Son gente muy buena. Ha coincidido que toda la gente que había en la compañía era muy maja. Entonces llega un momento que no solo te tira lo profesional,  porque si estas en una obra muy buena pero rodeado de incompetentes no te sirve para nada.

– ¿Qué aceptación ha tenido esta obra al público catalán?

-Creo que El Sopar dels Idiotes es un título que, a priori, todo el mundo conoce y aunque haya gente que no la haya visto, ya sabe de qué trata. Con este hecho ya tienes mucho ganado. Hoy en día la gente no quiere arriesgar, no se va a ver una obra para probar cómo es. Necesita garantías de que el dinero lo está invirtiendo en algo bueno.

Eduard Soto durante la entrevista. Fuente:BcnTeatral

– ¿Qué siente como actor cuando en el El Sopar del Idiotes  ve que la gente se lo pasa tan bien y se divierte con los papeles que interpretan?

– Muchas veces te dedicas a tu profesión y tampoco te paras a analizar y pensar: ¿qué estoy haciendo? Cuando estás ahí arriba y ves que la gente se lo está pasando bien es cuando más disfrutas. Me fijo mucho en la gente y cuando veo que con David Fernández se ríen hasta límites insospechados no puedo evitar pensar que lo que hacemos es una maravilla, algo sensacional. Cuando el trabajo está bien hecho, estás con muy buenos profesionales, el texto es bueno y estás disfrutando junto al público, ves que ésta es una profesión preciosa.  La verdad es que ese momento es muy motivador.

«Cuando el trabajo está bien hecho, estas con muy buenos profesionales, el texto es bueno y estas disfrutando junto al público ves que ésta es una profesión preciosa»

 –¿Qué significa para usted el teatro?

– El teatro se inventó hace muchísimos años porque el ser humano necesita distraerse. No sólo sabemos producir y vivir, necesitamos distraernos, evadirnos, porque la vida es maravillosa pero también puede ser muy dura. Dentro de todas las clases de personas que conviven en la sociedad hay algunas que han nacido con ganas de distraer a los demás. Éstas suben a un escenario y hacen un trabajo, que si lo analizas, es súper absurdo: inventarse una historia y un personaje.  Si te paras a pensarlo es un poco ridículo, porque estás delante de 500 personas, todas pendientes de ti, y tú estás fingiendo un personaje y una historia que no existen. Pero bueno, creo que nos apasiona evadirnos y encontrar una historia que no te haga pensar en tus propios problemas.

 – ¿Cree que Barcelona es una ciudad referente para el teatro?

– Barcelona es una ciudad muy potente desde el ámbito teatral porque en ella vive mucha gente. Es la segunda ciudad más grande de España. Pero el problema es que Barcelona vive actualmente en un estado de pasividad brutal. Barcelona tendría que ser un referente teatral y lo es porque la gente viene aquí a hacer teatro desde muchos puntos de la península, pero hay muchas trabas a todo. La ciudad tiene una gran infraestructura teatral  pero creo que no la utilizamos bien.

En Madrid puede que haya un teatro más castizo y quizás guste menos, pero la gente disfruta más del teatro que en Barcelona. Allí la gente sale a disfrutar, a ver un espectáculo. Si en Madrid gusta un musical por ejemplo, puede llegar a estar dos años en cartel, pero en Barcelona no. Parece que en Madrid hay menos prejuicios que aquí. En la ciudad catalana, para empezar, miran si está en castellano o en catalán, después cuánto dura, y por último, si sale algún actor catalán conocido. Creo que hace falta un empuje, pero no es un problema sólo del público, sino también de las productoras y de las propuestas que vienen desde el ámbito profesional.

«Barcelona vive actualmente en un estado de pasividad brutal»

– ¿Es un buen momento para el teatro?

– No es un buen momento para el teatro. Los productores arriesgan menos que antes porque tienen menos dinero y la gente va menos al teatro. De hecho, si miras las obras que empiezan en septiembre y lo que duran es para caer al suelo, ya que la que dura más de tres meses es un milagro.  Estamos en un momento de lucha para el teatro y principalmente hay que hacer obras buenas. Creo que el teatro tiene un problema. Vas a ver una obra y ves que le falta alma, personalidad y así se te quitan las ganas de volver al teatro. El teatro necesita mejorar y para hacerlo hay que trabajar mucho.

«Estamos en  un momento de lucha para el teatro y principalmente hay que hacer obras buenas»

-El 30 de abril se entregaron los premios Max de las Artes Escénicas. Los ganadores fueron Blanca Portillo y Miguel del Arco, triunfadores con ‘La avería’ y ‘Veraneantes’. ¿Considera que estos premios reconocen a los mejores actores del país?

– No. Porque son unos premios que nadie conoce quién los da ni quién está detrás de ellos. No hay nadie que diga quién es el mejor actor o actriz. No se valora realmente a los buenos actores. Por ejemplo, el ámbito de la comedia nunca ha recibido un galardón de estos. Pasa lo mismo que con los Goya. En estos premios no nos representan a los actores. El Sopar dels Idiotes ha estado en el Teatro Apolo durante casi ocho meses y estoy seguro de que en los próximos premios Max no estaremos nominados a ninguna categoría. En cambio, obras que están tres meses en cartelera se llevan todos los premios. ¿No deberían dar los premios a los espectáculos más vistos por los espectadores? No se hace justicia ni plantean la realidad.

Eduard Soto en el escenario dónde se realizó la entrevista junto con una integrante de BcnTeatral. Fuente: BcnTeatral

– Si tuviera que escoger, ¿qué actor o actriz ha supuesto un referente para usted?

– Ahora mismo, para un proyecto personal que estoy preparando he escogido a Johnny Depp. Siempre seleccionas cosas de los actores que utilizas como referente y él es un chico que hace personajes muy histriónicos y marcados. Me gusta mucho como interpreta gestualmente.

– ¿Tiene algún proyecto en mente?

– Estoy preparando un proyecto que espero que se oiga hablar de él muy pronto. Se llevará a cabo en un escenario, será muy completo ya que habrá teatro, musical, cabaret, rock, etc. Es una idea muy personal que dirijo yo solo y me encuentro muy ilusionado.

DEFINA BREVEMENTE… 

• Andreu Buenafuente: Mi ex referente
• David Fernandez: El único hombre que me llevaría a mi mesita de noche. Mi amigo y compañero.
• El Terrat: Una empresa, sin más.
• Pepe Rubianes: Un maestro que dejó un grandísimo legado.
• Santi Millán y José Corbacho: Ex compañeros de trabajo. No ha existido nunca relación personal.
• Blanca Portillo: Una mujer que ha trabajado mucho para llegar dónde está. Aunque a veces un poco sobrevalorada.
• Sergi Belbel: Un hombre muy reputado, que hace un teatro de tendencias pero sin llegar a ser arriesgado.
• El Tricicle: No me gustan cómo espectáculo y no hay buen feeling profesional.
• Francis Veber: El señor que se lleva el 10% de la taquilla de “El sopar dels Idiotes”. Aspecto que me parece muy justo.

 

El mundo del teatro en manos de productoras, la pasividad brutal del público y la falta de obras arriesgadas e innovadoras son las cuestiones que pone a debate Eduard Soto, un actor sin complejos que nos muestra los puntos más débiles de una profesión puramente práctica, una profesión que no deja de ser, según él mismo, algo maravilloso y simplemente único.

Para obtener más información recomendamos:

• El Sopar dels Idiotes: video promocional
•  Entrevista
• Entrevista en 20Minutos

Gisela Krenn: “Estamos luchando para lograr la titulación profesional de las escuelas privadas catalanas de teatro”

LA ENTREVISTA

Ares Fernández y Alba Pifarré

Gisela Krenn es la directora de la Asociación Catalana de Escuelas de Teatro (ACET) desde hace más de una década. Su carrera profesional está marcada por un extenso recorrido en  el mundo del teatro. Actualmente es directora de casting de productoras catalanas y lleva 10 años como directora de una de las escuelas asociadas a la ACET, el Col·legi del Teatre. 

La ACET, única asociación de escuelas privadas catalanas, está formada por once escuelas teatrales de todo el territorio, dirigidas desde la escuela de formación teatral el Col·legi del Teatre de Catalunya. La mayoría de las escuelas se encuentran en Barcelona, pero también cuentan con escuelas en Lleida, Girona y Reus. Desde hace 10 años ACET está luchando por conseguir la titulación oficial de las escuelas de ámbito privado. Este título, hoy en día, solo lo da el Institut del Teatre.

Gisela Krenn con una componente del equipo de trabajo de BcnTeatral. Fuente: BcnTeatral

-¿Qué características comparten las escuelas que forman parte del ACET?

Todas tienen una serie de intereses comunes profesionales, como por ejemplo, su forma de trabajar. En el aspecto pedagógico, las escuelas son diferentes porque hay muchas formas de enseñar teatro. Hay escuelas del ACET que utilizan el método Stanislavski, técnicas americanas, que son más analíticas. Otras, como por ejemplo nosotros, el Col·legi del Teatre, realizamos técnicas más eclécticas. Es decir, usamos distintas metodologías a lo largo de la preparación del actor. Esta variedad es una riqueza que pensamos que hay que preservar, porque Cataluña es la comunidad autónoma más puntera en estudios teatrales de toda España, exceptuando la ciudad de Madrid.

-¿Qué quiere decir cuando habla de diferentes métodos de trabajo?

Cada escuela trabaja con una metodología distinta. Por ejemplo, el Institut del Teatre, la escuela pública, trabaja con la metodología contemporánea de Lecoq. Es una metodología que hace un viaje pedagógico y que tiene una duración de 2 años. Moveo, una de las integrantes del ACET, trabaja con la metodología de Le Crou, que son 3 años de enseñanza.

“El criterio fundamental para formar parte del ACET es que sean escuelas privadas y profesionales y que ofrezcan titulaciones internas”

Sin embargo, las escuelas de teatro musical, Youkali y Memory, son eclécticas. Estas dos trabajan las tres ramas principales: danza, interpretación y canto. También tenemos el Timbal, que tiene una línea propia de trabajo porque ha creado su propia metodología y su enseñanza dura 2 años.

-¿Si las escuelas funcionan de manera completamente autónoma, no hay ningún lazo que os ligue entre todas?

Tenemos actividades conjuntas como escuela y como asociación. Por ejemplo, cursos, festivales de teatro, etc. Pero estas actividades se han visto afectadas por los recortes de Ensenyament y este año no hemos podido hacerlas todas por falta de recursos económicos. También, como entidad, tenemos un acuerdo con la Asociación de Actores y Directores Profesionales de Cataluña que permite a los actores que han acabado sus estudios entrar inmediatamente como profesionales en esta asociación.

-¿Existe algún criterio para que las escuelas puedan formar parte del ACET?

El criterio fundamental es que sean escuelas profesionales y que ofrezcan titulaciones internas y propias de la escuela. Otro criterio más secundario es que tengan un horario de secretaria flexible de mañana y tarde.

El ACET trabaja desde el ámbito privado, hecho que implica un esfuerzo enorme. Tenemos que conseguir buenos profesionales que quieran enseñar y que lo hagan bien, además, de lograr unos precios asequibles para los estudiantes. Pero trabajar de forma privada tiene una gran ventaja, tenemos mucha libertad.

-¿Cómo se puede acceder a los estudios teatrales?

El acceso a estos estudios es posible mediante dos vías: la pública y la privada.  En el sector público, para acceder se tienen que hacer unas pruebas selectivas tanto teóricas como prácticas. Hay tres modalidades: la línea de actor, director y dramaturgo y la línea  de la escenografía.

“Barcelona ha sido puntera en la enseñanza teatral, pero ahora se encuentra en un momento de cambios y reubicación”

En las escuelas privadas se pueden hacer pruebas o no, ya que tienen libertad de acción total, no están acogidas a una normativa que venga por parte de Ensenyament.

-¿Cree que el hecho de trabajar en el sector privado les cierra puertas?

A las escuelas de teatro y al ACET no se nos cierran puertas, pero sí que se cierran para los estudiantes. El hecho que dificulta mucho el trabajo en el ACET es no tener una titulación oficial para los alumnos. Hecho que no sucede en el sector público. A modo de ejemplo, la situación conlleva a que los alumnos pierdan oportunidades a la hora de solicitar una beca, ya que las escuelas no tenemos una financiación pública. Aunque, por otro lado, las oportunidades a la hora de encontrar trabajo no varían.

-¿Considera que se nace actor o es necesaria una formación previa?

Estamos hablando de escuelas artísticas, lo más importante es el talento de cada persona, éste puede depender un poco de la suerte y de la capacidad de moverte por este mundo, pero si una persona es buena de verdad, no importará donde haya estudiado. No importa que haya estudiado en Japón, Barcelona o EE.UU. Aunque hay que considerar que siempre se produce alguna excepción en la que hay cierta gente que sí mira dónde se ha formado el artista.

-¿Si las posibilidades en el mundo laboral no varían entre el sector público y el privado, qué motivo llama la atención a los estudiantes para escoger el sector privado con las desventajas mencionadas anteriormente?

Hay ciertas cosas del sector público que no interesan a los alumnos. Un motivo es que este sector, en los últimos años, se ha desgastado mucho. Otra razón, es que la misma formación, en el ámbito público, tiene 4 años de duración, mientras que en el privado son sólo tres años. Este hecho es muy importante, ya que son muchas las personas que quieren compaginar el teatro con sus estudios. De modo que, cuánto más corta y adaptable sea la formación teatral, más les ayudará en sus otros proyectos.

-¿Cuántas salidas cree que ofrece el mundo del teatro?

Hay que tener presente que no todos los alumnos que salen de nuestras escuelas acaban en teatros y televisiones. Existen muchas vías, como por ejemplo, el teatro terapéutico, el teatro infantil, impartir clases, aspectos más de retórica o las animaciones. Incluso algunos acabarán dirigiendo obras de teatro. Existe un mundo más amplio que el de los actores y actrices.

-Podemos ver que en su web están realizando una recogida de firmas entorno a la titulación de los estudios teatrales, pero también para denunciar la pérdida de reconocimiento que anunció la Generalitat hace escasos meses en torno al mundo de todos los estudios artísticos. ¿Qué nos puede decir al respecto?

Se trata del mero reconocimiento, queremos una titulación oficial. Hablamos de una titulación que ya existe en toda Europa, en países como Italia, Inglaterra o Francia. No podemos olvidar que el teatro es cultura, la gente debe tener una visión más amplia, la verdad es que es una lástima que estemos viviendo esta situación, ya que el problema de la titulación tan solo sucede en el mundo del teatro. Hay que seguir luchando para conseguir cambios.

-¿Cree que la titulación que reclaman será una realidad en el futuro?

Hablamos de un mundo difícil de definir, un mundo de técnicos. Para la Generalitat no es prioritario. Ellos desde Ensenyament ya tienen reglada esta carrera profesional. Llevamos mucho tiempo luchando para conseguir nuestro propósito pero ellos no lo ven como algo a solucionar. Sin embargo, tarde o temprano la situación caerá por su propio peso, no porque la Generalitat ponga una solución, sino porque llegará un momento que será necesario decir “sí”.

“Nuestro objetivo principal es conseguir dar la titulación profesional a los alumnos”

-¿Cómo definiría la formación teatral en Cataluña?

Mediante el ACET intentamos evitar el centralismo, de modo que cuando nos referimos a formación teatral hablamos de todo el territorio catalán. Al evitar este centralismo nos encontramos con casos curiosos como por ejemplo, el de la Escuela de Teatro de Lleida, que mediante sus largos años de óptima docencia han conseguido crear referentes en el mundo del teatro.  Hay que tener en cuenta que definir la formación teatral es algo complicado.

“Sólo consiguen llegar a lo más alto aquellas personas que han persistido en su tarea a base de esfuerzo, dedicación y constancia. El actor nunca puede dejar de renovarse”

En la actualidad, todas las escuelas que forman la asociación siguen acogiendo alumnos de otros países u otras partes de España. Aunque cada vez son menos las personas que vienen a estudiar a Barcelona,  porque les resulta una capital muy cara sino consiguen becas. La ciudad siempre ha sido puntera durante muchos años en la enseñanza teatral, pero ahora se encuentra en un momento de cambios y reubicación. Los que nos encontramos dentro de este mundo no sabemos por donde irán las cosas. Todas las escuelas que formamos el ACET llevamos más de 25 años trabajando en la docencia y nos preocupa qué pueda pasar. Este hecho deja claro que el teatro es una realidad, sino no llevaríamos tantos años en pie.

– La enseñanza teatral destaca por un alto rendimiento por parte de los alumnos. ¿Qué opina sobre esta afirmación?

Si que cierto que se trata de unos estudios muy duros en los que se exige un alto rendimiento. Sólo consiguen llegar a lo más alto aquellas personas que han persistido en su tarea a base de esfuerzo, dedicación y constancia. Con estos valores también se quiere transmitir que una titulación no es lo más importante, sino que se trata de construir un camino que sea lo más positivo posible. Este pensamiento lo extrapolo a todas las carreras artísticas, desde bailarines hasta músicos y cantantes, entre otras profesiones.

Entrevistando a Gisela Krenn. Fuente: BcnTeatral

-¿Hay algún requisito para poder acceder al Col·legi del Teatre?

No exactamente. Lo que sí que pedimos es que los alumnos sean mayores de 18 años. Es en segundo cuando realizamos una elección muy selectiva, en la que pedimos máxima implicación y en la que pasan los que han progresado más. Empiezan tres grupos, siguen dos y acaban dos mucho más pequeños.

La ACET, una asociación que según Gisela Krenn, apuesta por la innovación y que se ha fijado como objetivo conseguir una titulación que reconozca los estudios cursados en las escuelas privadas de teatro de Cataluña.

Momentos difíciles para el mundo teatral que afrontan con buenas ideas e ilusiones de seguir trabajando en el mundo de las artes escénicas.

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¿Quién es el idiota y quién se lo hace?

LA CRÓNICA

Ares Fernández Gardeñes

Teatro Apolo Barcelona. 11 de abril de 2012

En el emblemático Teatro Apolo de la ciudad de Barcelona se encuentra en cartelera, por pocas semanas más, uno de los éxitos de la temporada de invierno en la ciudad condal. “El sopar dels Idiotes”, dirigido por Juan José Afonso, prosigue con su espectáculo después de casi 6 meses en escena, después de ser estrenada el día 14 de septiembre de 2011. La obra se ha interpretado durante 4 meses en catalán y estos últimos meses se ha podido ver en castellano.

Entrada Teatro Apolo Barcelona. Fuente: Ares Fernández Gardeñes

La obra es una adaptación teatral de la exitosa obra teatral escrita El Sopar dels Idiotes creada por dramaturgo francés Francis Veber en 1999. Muchas han sido las versiones que se han hecho de la novela francesa. En 2010 se llevó al cine una nueva versión de la mano del director Ray Roach y obtuvo un gran éxito.

En el ámbito teatral, la historia fue versionada en el 2002 en el Teatro Condal y en ese caso fue dirigida por Paco Mir, uno de los míticos componentes del Tricicle. Aunque la obra tuvo una gran acogida en el público de Barcelona, sólo estuvo poco más de un mes en cartelera a diferencia de la representación actual dirigida por Juan José Afonso, que lleva casi 6 meses. Las dos representaciones han respetado la originalidad de Francis Bever aunque han ido modernizando las situaciones según el momento histórico en el que se ha representado. Destaca como diferencia entre las dos representaciones  un elenco de actores totalmente renovado pretende entretener de nuevo al público.

Escena el Sopar dels Idiotes. Fuente: Ares Fernández Gardeñes

Una mítica historia que se ha versionado de múltiples formas pero que tal y como han afirmado varios asistentes que han visto la obra en sus diferentes versiones» tiene una esencia especial que provoca unas ganas de volverla a verla. Convirtiéndose en un clásico del humor». Los asistentes a la representación prefieren disfrutar de la comedia en su versión teatral ya que consideran que es donde se presenta la historia de forma más real, hecho que consigue llegar más al público. Una opinión que se puede corroborar mediante las múltiples carcajadas y oleadas de aplausos que se desbordan durante las dos horas de duración de la obra.

La comedia está protagonizada por Edu Soto y David Fernández, conocidos a nivel español por sus participaciones en el show night Buenafuente de Andreu Buenafuente. A modo de risas continuas, los actores cuentan cómo un grupo de amigos celebran de forma semanal una cena en la que tienen una lucha constante para ver quién consigue traer a la persona que ellos consideran más idiota para amenizar la velada. Pero las cosas se le complican al señor Carlos Puig cuando no puede asistir a la cena de esa semana a causa de una fuerte lumbalgia. En este momento es cuando se le presenta su idiota semanal en casa. David Fernández, en su excelente papel de idiota, desencadena en una serie de idioteces continuas que ponen a prueba de bomba los nervios y la paciencia del señor Puig. Situaciones que llegan a afectar a la vida privada del editor y que provocan la incorporación en escena de nuevos personajes, como por ejemplo, su pareja, su fisioterapeuta o un mismísimo inspector de hacienda. Todos estos personajes interpretados, mediante una colaboración especial, por actores de la talla de Claudia Clos, David Ramírez y Santi Ibañez.

Un espectáculo que invita a los espectadores, como se puede ver en el vídeo de a continuación, a participar en la cena “idiota” en la que transcurre toda la historia, y que les va como anillo al dedo a los dos protagonistas principales de la historia, David Fernández y Edu Soto. Les permite interpretar y mostrar al público sus múltiples registros humorísticos que anteriormente les hicieron famosos de la mano de Andreu Buenafuente.

Aunque “El sopar dels Idiotes” lleve en escena desde septiembre del año pasado, este hecho no ha sido motivo de poca afluencia por parte de los espectadores. Al contrario, media hora antes de que empezara otra sesión de la exitosa obra, se podía apreciar una gran afluencia de gente en la acera de la Avenida Paralel de Barcelona, lugar donde se encuentra el Teatro Apolo. Y es que además de los ciudadanos de Barcelona es mucha la gente que ha viajado hasta la ciudad para poder disfrutar de este espectáculo. “¡Venimos de Castellón para gozar de estos fantásticos actores!” Exclamaba una señora de familia que se encontraba delante de la puerta del teatro.

Momentos de la obra teatral El Sopar dels Idiotes. Fuente: Ares Fernández Gardeñes

Un espectáculo que, según las intenciones del autor de la obra, muestra una inteligente crítica a una sociedad en la que no es fácil saber quién es realmente el idiota y quién solamente lo parece, que sirve de reflexión para los espectadores.

Y además…

La cena de los Idiotas también se está interpretando en Madrid con otro elenco de actores. Sí quieres conocer como ha llegado la obra al público madrileño consulta la siguiente crónica: http://www.todosalteatro.com/9042/la-cena-de-los-idiotas-en-el-teatro-infanta-isabel-de-madrid.html

Conoce porqué tiene tanto éxito la obra del francés Francis Veber: http://www.elcultural.es/noticias/ESCENARIOS/827/Josema_Yuste-_La_cena_de_los_idiotas_tiene_exito_porque_sucede_cada_dia

De un anuncio de ensaladas a un teatro como humoristas

LA CRÓNICA

Celia Aldea

Las noches de los jueves del mes de abril son más entretenidas concretamente en el barrio barcelonés de Sant Andreu del Palomar. El teatro SAT abre sus puertas al Duo floret un espectáculo donde confluye la música, el humor y la poesía.

Los autores de este espectáculo son Joaquín Daniel y Daniel Pellegrinet dos argentinos de pura cepa que se hacen llamar Duo Floret, en honor a las ensaladas “florette”. Un anuncio sobre esta famosa marca, realizado en la isla de Mallorca, les llevó a entablar una amistad y a poner en marcha su proyecto artístico sobre el escenario.

Cartel de Duo Floret a la entrada del Sant Andreu Teatre (SAT)
                                                  Fuente: Celia Aldea

Joaquín: actor, clown, cantante y periodista de profesión vive en Barcelona desde el 2002 y ha trabajado tanto en teatro como en televisión y radio. Por su parte, Daniel es compositor, arreglador, cantante y multi-instrumentista. Su aventura en la capital catalana empezó en 2001 y desde entonces, sus trabajos han estado ligados a la música.

En 2009 surge Duo Floret y desde entonces, no han parado de crear nuevos espectáculos donde el humor y el ingenio se mezclan al sonido de la música. Las actuaciones combinan diálogos tanto cómicos como reflexivos, un tipo de espectáculo propuesto por los autores para olvidar durante unos minutos la vida cuotidiana.  Hasta nosotros llega “Pincha pero no mata”, su último espectáculo representado en el pequeño teatro del barrio de Sant Andreu. Un gran escenario para unos artistas en proyección que aún no cuentan con la influencia de un público masivo.

Es un miércoles de abril a las nueve de la noche y este dueto se presenta, si llega, ante una veintena de personas. Pero menos es más y a veces, un número reducido de personas llena más que el mero hecho de que estén todas las butacas completas. La entrega y colaboración del auditorio es esencial en el espectáculo.  El público de esta velada es entregado, participa aplaudiendo al son de las melodías tocadas por Daniel y deja fluir un sinfín de carcajadas ante las anécdotas explicadas por Joaquín.

El espectáculo empieza con una pequeña historia que describe cómo estos dos argentinos ven Barcelona, una ciudad reinada por la multiculturalidad. A partir de aquí, relatan su viaje transatlántico con el objetivo de  luchar por un sueño sobre el tablado español.

La puesta en escena de este grupo es simple y bastante sencilla. Unas maletas, que simbolizan el viaje realizado, cuelgan del techo del escenario. Al lado opuesto, un cartel de bombillas blancas dibuja la silueta de las letras con el nombre del grupo: Duo Floret. Este letrero iluminará el escenario cuando los integrantes relaten con pasión la anécdota, el motivo que les llevó a adoptar este nombre tan peculiar.

Dos taburetes, uno alto y el otro bajo se convierten en el soporte de los actores. Joaquín, el vocalista, narra con un gran toque humorístico ante un micrófono de pie. A su derecha, Daniel se encarga de acompañar musicalmente hablando y de añadir los efectos especiales con la ayuda de su guitarra y un pedal dónde se encuentran grabados diferentes sonidos.

Escenario utilizado por Duo Floret
                                                Fuente: Celia Aldea

Detrás de cada canción se encuentra una experiencia vivida, un relato significativo y casi autobiográfico. Un sueño, un nuevo lugar dónde emprender un futuro. Reflexiones crudas y poéticas sobre la soledad, el exilio, el amor y el desamor. El vals, la rumba, el tango, la bossa nova, el swing o la fusión étnica rockera transforman el espectáculo en algo más que una actuación teatral. Una historia camuflada en diversas melodías y recopiladas en un CD que el asistente puede adquirir a su salida del teatro.

Joaquín y Daniel, con un par de voces distinguidas, proponen al espectador un viaje a través del espíritu, una reflexión sobre los aspectos cotidianos de la vida con un toque humorístico.

“Pincha pero no mata”, promete. Esta representación cuenta con varios puntos a su favor en su camino a la proyección hacia los grandes escenarios. Apto para todos los públicos, parejas, niños y grupos de amigos son invitados a introducirse en el mundo escénico de este par de argentinos.

Vídeo presentación tour Duo Floret

Fuente: youtube

La improvisación llevada al máximo exponente

LA CRÓNICA

Jenifer Ruiz

Impro Show es un espectáculo que lleva más de seis años sorprendiendo al público del teatro Teatreneu situado en el corazón del barrio de Gracia. Producido por la compañía teatral Planet Impro, este espectáculo se basa en el género del teatro improvisacional para crear obras únicas noche tras noche. Un género que se remonta a los tiempos de la Comedia del Arte del siglo XVI, y que muy pocas compañías realizan en España. La improvisación llevada al máximo exponente de la mano de los actores de la compañía Planet Impro, tal y como puedes ver en este video.

Sábado noche. En la entrada del Teatreneu, situado en la calle Terol del barrio de Gracia, no cabe ni un alfiler. La gente hace cola para comprar las entradas de una función que siempre es diferente: Impro Show. Una de las pocas obras de todo el territorio español donde los actores salen al escenario sin nada preparado, dispuestos a ofrecer un espectáculo basado exclusivamente en la improvisación.

Logo Impro Show. Fuente: Planet Impro

El público empieza a subir las escaleras que les conducen a la sala Xavier Fábregas del Teatreneu donde dará lugar el espectáculo. En la ante sala los cuatro actores del Impro Show reciben a los asistentes. Con mucho humor, los actores reparten al público unas papeletas para que escriban una frase. Mientras los asistentes buscan una frase original, los actores explican que serán estas sugerencias, extraídas al azar, las que se convertirán en los títulos de las improvisaciones que se crearán en directo. Una vez rellenadas las papeletas, éstas se depositan en una urna que guarda uno de los actores.

Público escribiendo sus frases en la ante sala. Fuente: BcnTeatral

Tras dejar su frase, los asistentes empiezan a entrar en la sala que se llena en pocos minutos. Un acomodador un poco estresado les ayuda a todos a encontrar su asiento. Mientras los más rezagados se dan prisa en ocupar sus butacas, el nerviosismo se palpa en el ambiente. El Impro Show se caracteriza por la participación activa del público. Los asistentes no solo se encargan de dar los títulos de las improvisaciones, sino que suben al escenario para ser un personaje más en las historias. Una interacción fluida entre actores y público que caracteriza el tipo de espectáculo que ofrece el Impro Show.

Se apagan las luces, empieza el espectáculo. Los miembros del Impro Show entran corriendo a la sala y se dirigen al escenario seguidos de un fuerte aplauso. Tras depositar la urna en un lateral con las frases del público, explican el primer juego de la noche: las estatuas. El juego consiste en crear historias a partir de la posición fija de un actor. Una vez explicado el juego solo falta crear la primera estatua. Para ello, los actores piden la ayuda del público. El primer espontáneo de la noche no se lo piensa y aborda el escenario para crear una cómica postura de uno de los actores. Acto seguido, cada actor crea su propia historia: abrir un ataúd y clavar una estaca, hacer una depilación de ingles, etc. Cualquier postura da pie a un nuevo argumento. El público no para de reír e incluso a los actores se les escapa la risa ante las historias tan descabelladas que llevan a cabo.

Los actores de Impro Show apunto de empezar el espectáculo. Fuente: BcnTeatral

Manteniendo una conexión constante con el público, el nivel de dificultad de las improvisaciones es cada vez mayor. Los juegos se van sucediendo a lo largo de la función. A través de los gestos, el canto y el ingenio de los cuatro actores se entrelazan los hilos argumentales de las improvisaciones de forma espontánea y natural.

Tras noventa minutos de improvisaciones, el espectáculo llega a su fin y el espectador puede hacerse una idea del por qué esta función lleva más de seis años encima de los escenarios. A lo largo del espectáculo, las improvisaciones se crean y fluyen entre los actores y el público creando una interacción que en pocas obras teatrales se consigue.

El público vacía la sala y se dirige hacia la salida. Hay una opinión favorable generalizada, al público le ha gustado la actuación y se ha quedado con ganas de ver más improvisaciones. Lo cierto, es que el Impro Show es un espectáculo peculiar fruto de un gran trabajo por parte de Planet Impro. Una compañía fundada en 2001 que trabaja de forma exclusiva el teatro improvisacional. Sus obras se caracterizan por la gran preparación de sus actores. Algo que ha quedado bien patente hoy en el Teatreneu del barrio de Gracia.

¿Quieres más información?

El Impro Show no es el único espectáculo que lleva adelante Planet Impro. Si quieres conocer otros espectáculos de esta compañía visita el siguiente enlace: http://www.planetaimpro.com/index_cas.html

Si quieres saber más sobre el método improvisacional de teatro visita la siguiente página: http://www.metodoimpro.com/el-metodo-impro.html

“La Gran Depresión” de dos polos opuestos

LA CRÓNICA

Queralt Morros Baró. 11 de abril de 2012

«La Gran Depresión», fruto del trabajo de la compañía teatral La Perla, Pentación Espectáculos y de la imaginación de sus autores, Dunia Ayaso y Félix Sabroso, reúne al fin dos estrellas más que conocidas de la comedia española. Una obra teatral ideada especialmente para Loles León y Bibiana Fernández en la que sus creadores afirman que “las vemos poner toda la carne en el asador, haciendo reír pero también conmoviendo con la cruda verdad a través de una ironía inteligente”. Dos actrices que se complementan a la perfección gracias a sus grandes diferencias, tal y como podemos ver en el video de promoción de la obra en Valencia.

Fuente: lamarquesa.es

A las ocho menos cuarto la Avenida Paral·lel rebosa vida. Pero es en el teatro Arteria dónde la gente, en una cola poco ordenada, espera y comenta qué les deparará la obra que acaba de aterrizar a la ciudad condal, hace apenas un mes. Después de pasar por ciudades como Madrid, Bilbao, Valladolid y Valencia; Loles y Bibiana confiesan que se trata de un proyecto con dobles intenciones, un trabajo «imposible de llevar sin una amistad previa», tal y como afirman en múltiples entrevistas promocionales.

Gente esperando a las puertas del Arteria Paral·lel. Fuente: producción propia

Al fin, después de unos largos diez minutos de retraso, Loles León y Bibiana Fernández aparecen en escena mientras el público, que llena casi por completo el teatro a pesar de ser un miércoles, las aplaude eufóricamente. El escenario se convierte en la habitación de Marta, representada por Bibiana Fernández, una mujer superficial y adicta a las bodas con hombres de alto poder adquisitivo que la han mantenido toda su vida. Según la actriz «una mujer llena de inseguridades» que finalizada su última relación y llena de deudas, creyendo que a sus cincuenta años le será imposible reponerse a los contratiempos, decide quitarse la vida. Sin embargo, en un último intento de supervivencia, recurre a una antigua amistad.

Por otro lado, Manuela, a manos de Loles León, ocho años después de una gran discusión recibe la llamada de auxilio de Marta y acude sin pensárselo dos veces. Cansada de ser ver siempre cómo Marta conseguía sus propósitos, decide aprovechar esta ocasión para alardear de sus logros personales conseguidos en esta última década a la más mínima oportunidad. Tal y como augura Loles, «más que una venganza, Manuela quiere utilizar todas sus armas para recuperar la amistad perdida haciéndose pasar por una persona que no es».

Sus creadores, Ayaso y Sabroso, anuncian que “nada es lo que parece” y lo que aparentemente parecía una historia de reconciliación se transforma en un dueto grotesco que encarna vivamente la soledad y la vejez. Una lucha por la supervivencia  que transforma en el humor más llano las crudas inseguridades, compartidas pero escondidas, de ambas protagonistas «más auténticas que nunca».

Cartel promocional de la obra. Fuente: producción propia

Bajo un hilo argumental aparentemente simple, Loles y Bibiana hacen uso  de sus diferencias físicas para complementar esta comedia pintoresca. Las anécdotas también tienen cabida en el espectáculo cuando Manuela lanza de una patada, más fuerte de lo previsto,  una bolsa que supuestamente contiene el perro muerto del ex marido de Marta. Loles, incapaz de seguir con el diálogo en medio de un ataque de risa, necesita varios intentos y un poco de tiempo para recuperar la representación. Pero, ¿realmente ha sido fruto de la improvisación? En sus actuaciones en Madrid parece que ya sucedió repetidas veces por lo que nos preguntamos si realmente no está escrito en el guión.

Bibiana Fernández tampoco se escapa de pequeños errores y es que en un intento de acercarse al público barcelonés confunde la “escalivada” por  la “escudella”, diciendo que ante la idea de comer “peus de porc” prefiere “escalivada amb pilota”. Hecho que despierta ciertos comentarios entre el público asistente, que se lo toma más como una equivocación que como un juego de palabras para provocar alguna que otra sonrisa.

Como si no fuera poco, Marta y Manuela también protagonizan dos números musicales, con coreografía incluida, que no parecen acabar de entusiasmar al público, puesto que ambas invitan a los asistentes a bailar pero reciben una escasa participación como resultado.

Escenario de la obra «La Gran Depresión». Fuente: producción propia

Al finalizar la obra, cae el telón y  llegan los aplausos mientras aparecen las primeras opiniones dispares, empezando entre las butacas y acabando en el vestíbulo. Parece que la obra provoca respuestas algo contradictorias entre los asistentes, algunos aún riendo y otros insatisfechos ante el poco provecho del dinero invertido en las casi dos horas de actuación. «Esperaba mucho más después de haber leído algunas críticas, me marcho con un sabor agridulce», sentencia María Gómez, una espectadora. Entre comentarios y valoraciones, la gente se va despidiendo de la depresión más cómica, o no, que ha tenido lugar en el Arteria Paral·lel.